Giorgio Griffa est né à Turin en 1936. En 1958, il obtient son diplôme en droit et commence l’activité d’avocat qu’il n’abandonnera jamais. Pendant dix ans, il étudie la peinture jusqu’à ce qu’en 1968 il décide de renoncer à tout élément représentatif. Pendant ces années, il respire l’atmosphère turinoise de l’Art Pauvre. Cependant, alors que les pauvres abandonnent les pinceaux, Griffa croit fermement en la peinture et la ré-interprète avec les traits les plus fondamentaux (points, lignes, signes, etc.) toujours présents dans la main de l’Homme et pour cela indispensables. Il élimine d’escient le cadre qui limite le champ, et est fasciné par le non-fini. Dans chaque œuvre, il ne remplit jamais la toile, et ce, tout en laissant place à l’imagination, d’autre part, il fait de chaque œuvre la continuation idéale de la précédente. Il étudie ainsi le caractère fortement symbolique de l’expérience humaine qui « a trente mille ans de mémoire ». Son travail repose ainsi sur les signes primaires et ce sera son empreinte indubitable.

Il commence immédiatement par des expositions importantes d’abord de Martano (1968), puis de Sperone (1969). Dès 1970, Ileana Sonnabend lui a projeté deux expositions, d’abord à New York puis à Paris. Après le cycle appelé Quasi peint,entre 1973 et 1975, il effectue presque exclusivement Lignes horizontales. Au cours des années suivantes, il commence à faire coexister sur la toile des séquences de signes différents: c’est le cycle des connexions. Ce sont les années où il utilise une réflexion d’empreinte minimaliste pour une nouvelle considération de l’imposante mémoire de la peinture. Avertissement: Griffa est loin d’être minimaliste. Au contraire, pour lui, la mémoire est le fondement pour lequel il recourt précisément à ces signes simples « qui appartiennent à la main de tous », pour souligner son « se mettre au service de la peinture », « en s’appuyant sur la mémoire de la peinture », « en se limitant au simple geste de poser le pinceau ». En 1978, il est invité à la XXXVIII Biennale de Venise. En 1980, il dispose d’une salle personnelle à la XXXIX Biennale de Venise. Dans les années 80, avec les contaminations, il côtoie souvent les grands signes, c’est-à-dire utilise aussi la couleur toujours comme mémoire de peinture. Au début des années 90 commence l’important cycle Trois lignes avec arabesque où chaque travail contient toujours, entre autres, trois lignes et un arabesque. La numérotation vise à fixer le temps d’exécution. A ce cycle s’accompagne ensuite celui des Numérotations. Ici, les numéros sur la toile indiquent l’ordre dans lequel les différentes couleurs ont été posées. Dans ce cas, la numérotation souligne l’ordre temporel et le développement même de l’événement dans l’espace. Depuis 2008, il travaille à la section Aurea et introduit parmi les signes ce nombre irrationnel sans fin qui ne progresse ni ne s’approche jamais du numéro suivant, mais se visse plutôt dans l’inconnu, une sorte de note explicative de son travail. Selon Griffa, la peinture est chargée de faire connaître l’indicible, de révéler cet inconnu que la science est incapable de démêler.

Giorgio Griffa, artiste-philosophe, est également l’auteur de nombreux livres dont: Non il y a de la rose sans épines (1975), Des chiens anti-anciens de fond (1980), Drugstore Parnassus (1981), A borns of Cibera (1989), The Prini principe of Indetermination (1994), design in Sign (avec M. Corgnati) (1995), Come un dialogo (1997), Port-Rébaro a Gilania (1998), Intelligence de la matière (2000), Nelle orme dei Cantos (2001), Note sur la représentation de l’espace (2003), Post scriptum (2005), I flaneur del paleolitico (2014), Le paradoxe du plus dans le moins (avec G. Garesio, M. Corgnati et R. Mastroianni) (2014).

Parmi les personnalités les plus récentes, il convient de rappeler celles du MACRO de Rome en 2011, du Mies Van der Rohe Haus à Berlin en 2012, du Trinity College de Dublin en 2014, du Centre Art Contemporain de Genève en 2015, de la Kunsthalle de Bergen 2015, de la Fondation Giuliani à Rome en 2016, de la Fondation Vincent Van Gogh d’Arles en 2016 , au Serralves Museum de Porto en 2016, au Camden Arts Centre de Londres en 2018, et celui qui sera à proximité du Musée de Lille.

En 2012 pour son exposition « Fragments 1968-2012 » à la Casey Kaplan Gallery de New York, Roberta Smith a écrit dans le New York Times: « Son art mérite une place dans l’histoire mondiale de l’abstrait. » Ses œuvres sont dans les collections privées et institutionnelles les plus prestigieuses, en Italie et à l’étranger. En 2013, la Tate a acquis la grande toile « Signes horizontaux », 146x188 cm, de 1975, et l’a exposée en permanence.

En 2017, il a de nouveau été invité à la Biennale LVII de Venise.

Giorgio Griffa vit et travaille à Turin

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Giorgio Griffa - Peinture Analytique

La Peinture Analytique, autrement appelée Peinture-Peinture,s’est développée en Italie à la fin des années 1960 dans le sillage d’expériences similaires français et allemandes. La Peinture Analytique est détachée de la relation entre l’œuvre et son sens, évidente (figurative) ou sous-jacente (conceptuelle) ou expressive (abstraite), mais se concentre sur une sorte d’enquête introspective des éléments intrinsèques qui la constituent : toile, cadre, couleur, signe, et la relation entre l’œuvre et son auteur. C’est--à-dire que l’Art Analytique ne veut rien représenter, ne veut pas envoyer de messages, ne pratique pas la physique, il est simplement fait de couleur et de signes, il n’a pas de codes expressifs mais est basé sur la relation entre la couleur, les signes et la sensibilité de l’auteur, et donc on peut dire qu’il s’agit d’un art intime. L’épicentre de ce mouvement était sans aucun doute italien et a été réalisé par un grand groupe d’artistes dont Claudio Olivieri, Elio Marchegiani, Riccardo Guarneri,Giorgio Griffa, Rodolfo Arico et Gianfranco Zappettini. Le mouvement a eu une résonance internationale consacrée par des expositions dans des musées et galeries privés européens, y compris le Musée d’Art Moderne de Paris, la Biennale de Venise, Documenta à Kassel. La poussée que l’Art Analytique a eue dans l’environnement artistique a conduit à la Trans-Avant-garde,mouvement qui a conduit à l’appréciation de la peinture à nouveau. Tags: Peinture Analytique - Peinture Peinture - Riccardo Guarneri - Gianfranco Zappettini

Giorgio Griffa - Analisi di Mercato

Mai 2021. Depuis quelques mois, on assiste à une croissance continue des cours du marché de Giorgio Griffa,avec une discrimination accentuée entre les œuvres des années 70, certainement les moins agréables, et les œuvres ultérieures. Malgré une bonne présence d’œuvres de Griffa sur le marché, l’évolution croissante des prix est néanmoins due à une gestion astucieuse de la production tant par l’artiste que par la galerie de référence qui est Kaplan de New York depuis une décennie. Pour donner quelques idées, une œuvre des années 70 de 50 cm 70 peut coûter aussi cher € 20.000 alors que pour une taille égale mais récente, le coût est d’environ 12.000 €

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Giorgio Griffa - Contributi

Dans cette section sont insérés des extraits d’écrits réalisés par Griffalui-même, par des conservateurs, des critiques, des historiens de l’art et par tous ceux qui expriment une pensée originale sur l’œuvre de l’artiste. Ce travail est fait dans le but de faire comprendre, de mieux comprendre la façon de faire de l’art de Griffa.

Je ne représente rien, je peins. Giorgio Griffen 1972

Notre monde humain est une représentation. L’homme est une représentation de l’homme. La peinture est la représentation de la peinture. Le signe est une représentation du signe. L’inconnu est une représentation de l’inconnu. Trois lignes avec arabesque sont représentation de trois lignes et un arabesque.  Mon choix premier de ne pas représenter m’a conduit à une représentation que je ressens plus proche de la réalité, car elle met en avant précisément cette condition de chaque signe comme partie du réel. Giorgio Griffa, 30 juin 2011

J’ai commencé à peindre en 68 en pensant au Zen, à la philosophie selon laquelle ce que vous arrêtez pour regarder, au moment même où vous vous êtes arrêté, est déjà passé à autre chose et est déjà quelque chose de différent. Le temps et son passage dynamique peuvent être lus dans le rythme répéter du signe, chaque geste, bien qu’apparemment égal au précédent, est en réalité différent et donc créatif et, même dans sa répétition, jamais égal. Au début, quand je peignais des lignes proches l’une de l’autre, je ne m’inquiétais pas de gouverner la main pour que les lignes soient égales les unes aux autres. Ce rythme ne signifie pas la monotonie, mais représente au contraire. Mon travail, en fait, je crois vient du rythme de la connaissance, de la vie et de la nature. Giorgio Griffa, Belluno 2012

La répétition des signes fixe l’espace de l’intérieur plutôt que de le définir de l’extérieur. Autrefois, lorsque l’on définissait le monde en le regardant de l’extérieur, les hommes inventaient deux systèmes extraordinaires pour décrire l’espace : la section d’aure et la perspective. La section d’aure définissait un espace absolu, ineffable, suspendu. La perspective fixait les hiérarchies de la vision dans un système sublime et statique. Enrambe utilisait aussi les mathématiques. Les frontières sont rapidement devenues mobiles, par exemple le baroque, et au fur et à mesure que l’on savait que nous-mêmes, observateurs, faisons partie du phénomène observé, que ces visions ne s’usaient pas, que l’humanité ne jetait rien, mais qu’elles se modisaient en une vision dynamique, qu’elles déplaçaient leurs frontières, comme les Vénitiens le faisaient avec la lumière. Giorgio Griffa, Turin 2005

Dans notre tradition, l’ancienne question de la ligne et de la couleur (......) a entraîné une utilisation préférentielle, je dis grossièrement, de la ligne pour dessiner les formes et la couleur pour les remplir. Les autres cultures enseignent que la couleur peut être appuyée sur le support de manière très variée, qu’elle peut être signe, rythme, formes sans qu’il soit nécessaire de dessiner une ligne. Un aspect de la question consiste donc à réduire la différence entre le signe et la couleur aux simples conséquences physiques de la largeur du pinceau et de la manière de le poser sur la toile. La couleur peut être surface, signe, cadre, séquence, timbre, tonalité, rythme, ligne, et proposer à chaque fois une notation différente de sa relation avec la lumière et la forme.  Giorgio Griffa, Bergame 1995

Quand je vais peindre, je me contente de fixer les règles des premiers signes et je commence à occuper progressivement l’espace, sans donner une organisation accomplie. J’essaie donc de suivre autant que les signes eux-mêmes me demandent. Une sorte de passif prudent. Cette attitude exclut la volonté de superposer ma mémoire à celle de la peinture. Ce sont les signes et les couleurs qui portent leurs suggestions et leurs mémoires, auxquels le spectateur apportera les siennes, avec des résultats qui sortent de toute façon de ma volonté. Mon récit reste indéterminé parce que je crois à l’intelligence de la matière, et cela me rapproche de nombreux aspects de l’art contemporain qui ne couvre pas la peinture. Giorgio griffa, Turin 2005

Au début des années 90, j’ai fait un cycle de travail intitulé « Trois lignes avec arabesque »car il y avait trois lignes et un arabesque. L’arabesque m’intéressait parce qu’il rassemble le temps linéaire et le temps circulaire. L’arabesque revient mais continue. Il y a le temps linéaire de la science et le temps circulaire de la pensée grecque. J’ai commencé à les numéroter progressivement parce que je voulais que chacun des éléments de ce groupe ait son identité. Giorgio Griffa,Biennale de Venise) 26 mai 2017

Comme tout autre acte de la vie est toujours nouveau et unique en nature et il n’y a pas la possibilité d’actes totalement identiques dans toute l’histoire de l’humanité, chaque signe est exemplaire pour lui-même. Exemplaire, donc en tout cas nouveau et non sujet au vieillissement. La revendication de la nouveauté a été prise en considération que la nouveauté est inévitable: même lorsque, comme dans mon travail, il n’y a rien qui n’a pas déjà été fait après les autres, c’est-à-dire qu’il n’y a rien que les autres n’aient pas déjà fait. Giorgio Griffa, Rome 31 mai 1979

Je n’ai absolument aucune idée pourquoi je choisis la première couleur. Seul le premier est gratuit, les couleurs suivantes sont déterminées par celles qui les précèdent, il y a donc effectivement une logique interne et je la perçois avec les yeux, avec les mains, en mélangeant les couleurs. J’utilise des couleurs à l’eau parce qu’elles ont un rapport avec la lumière particulière qui, par exemple, n’ont pas les couleurs de la peinture à l’huile. Je me sens au service de la couleur, revenons à l’intelligence de la matière, dans ce cas, l’intelligence de la lumière. Giorgio Griffa, Milan 2015

Peindre le devenir signifie que la peinture peint son propre farsi, son devenir réalité, un signe après l’autre. C’est ce qui s’est toujours produit, mais qui était subordonné à d’autres aspects qui étaient parfois initiatiques, représentatifs, magiques, festifs, narratifs, etc., aspects que la peinture continue d’apporter dans son immense mémoire. Je préfère les laisser indéterminés, précisément pour ne pas détourner l’attention de devenir. Giorgio Griffa, Milan 2009

Si l’on considère que le sédiment historique de la peinture est, entre autres, sa capacité intérieure à fabriquer des images, il s’ensuit que l’artiste peut se dépouiller de la tâche de traiter ces images et qu’elles coïncident exactement avec le signe anonyme du pinceau. Giorgio Griffa, Rome 1979

Si nous regardons les œuvres du passé, nous savons que des artistes comme Léonard de Vinci et Michel-Ange ont laissé certaines œuvres inachevées, nous ne savons pas si elles sont délibérément ou par manque de temps. Ce qui signifie que le temps historique de la réalisation est révolu au moment où l’artiste n’a plus mis la main sur l’œuvre, mais le temps intrinsèque de l’œuvre reste suspendu et, dans ce cas, c’est le spectateur qui le termine en imaginant l’œuvre accomplie. Ainsi, les œuvres de Griffa,insaisissables, légères, impalpables, sont suspendues dans le temps à la disposition de tous ceux qui veulent les finir selon leur propre intention et sensibilité. Galerie L’Incontro, Chiari 2021

Je ne peux pas dire que je suis le protagoniste car je suis conscient que les protagonistes sont les signes et que ma main n’est qu’un moyen de leur service. Mais je ne peux pas non plus dire que les protagonistes sont les signes parce que c’est ma main qui les fixe sur la toile. Giorgio Griffa, Turin 2005

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